Mario Núñez lleva 10 años trabajando el papel amate de gran formato. Acerca de su obra, Sandra Lorenzano nos dice: « La obra de Mario es la invitación a un sueño delirante, donde lo que parece semejante es, en realidad, distancia, brecha, repetición nunca idéntica, similitud que esconde caminos diversos para llegar – sin más equipaje que la expectativa vuelta a la vez placer y angustia – al centro de nuestro propio desconcierto. con trazos pequeños, prolijos, a veces incipientes. Sus obras son carnaval a punto de tornarse pesadilla, o simple deambular por una cartografía abigarrada, de ciudad funambulesca y sorprendente. o quizá no se trate sino de los circuitos secretos de alguna misteriosa máquina que – a diferencia de la ideada por Macedonio fernández - no genera narraciones sino imágenes de sí misma hasta el infinito.»

Mario NÚÑEZ (México DF., 1963) estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y en el Taller de Experimentación Gráfica CIEP del INBA (México DF.).

Entre sus exposiciones individuales se encuentran “Laberinto de ecos”, galería Le Laboratoire, México DF. (2013); “Gravedad”, galería le laboratoire, México DF. (2009); “Puntossucesivos”, Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana, México DF. (2008); “Tendederos rítmicos”, Pasagüero, México DF. (2006); “Pintura”, Instituto Cultural Mexicano, San Antonio, Texas, EUA (1998); “Pinturas”, Itturralde Gallery, Los Angeles, EUA (1997)... Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, en diferentes museos y centros culturales, entre otros: Museo de Arte Moderno, Museo de Arte Carrillo Gil, Palacio de Bellas Artes, Museo Universitario del Chopo (México); galerías en EUA, Canadá y México, SCOPE Miami Beach 2013. Es miembro de Sistema Nacional de Creadores del FONCA (2014-2016).

Presenta actualmente su tercera exposición individual en la galería, titulada Mutatis Mutandis.

Esta pieza está dedicada no solo a la cerámica tradicional de Talavera, sino también a obras particulares creadas por artistas mexicanos de renombre, como Francisco Toledo o Vicente Rojo. La escultura-instalación consiste en sonidos de la Talavera cuando se abre el horno, se trata de pequeños sonidos puntillistas que en su condición original son excepcionalmente interesantes. La música que hacen nos recuerda el trabajo experimental de John Cage y a los ritmos estocásticos de Iannis Xenakis en los años cincuentas.

Las piezas de Talavera están diseñadas como piezas de cerámica que simulan cuerpos de altavoces, y estos, al cubrir los pequeños parlantes (del sistema 5.1), hacen que los sonidos cubiertos resuenen con su propia material de origen.

Manuel ROCHA ITURBIDE (México D.F., 1963) es compositor, artista sonoro, investigador y curador.

Estudia la licenciatura en la UNAM, maestría en Mills College, y un doctorado en el área de Música y Tecnología en la Universidad de París VIII. Su música ha sido ejecutada en varios continentes recibiendo encargos del Instituto IMEB de Bourges, Festival Cervantino, Cuarteto Arditti… Ha sido beneficiado con las becas del SNC de México, del Banff Center for the Arts, de la Fundación Japón. Ha ganado premios en los concursos Luigi Russolo de Italia y de Música Electroacústica de Bourges, Francia, entre otros.

Co-fundó y fungió como curador del festival internacional de arte sonoro de 1999 a 2002. Algunas exposiciones importantes en las que ha participado son: Galería Chantal Crousel (París, Francia, 1994), Lines of Loss en Artists Space (NY, 1997), Bienal Internacional de Sidney (Australia, 1998), Project Rooms de la Feria ARCO (1999), Nothing en Roseeum (Malmo, Suiza, 2001), AVATAR (Quebec, Canadá, 2002), Koldo de Mixtelena (San Sebastián, España, 2007), Forum Internacional de las culturas (Monterrey 2007), McBean Gallery (San Francisco, California 2010), Xng Dong Chaeng Space for Contemporary Art (Pekin, China 2011), MuAC (México DF. 2012), galería Le Laboratoire (México DF. 2012 y 2014, con curadurías respectivas de Ariadna Ramonetti y Michel Blancsubé); Fundación Prada (Venecia, 2014), Zona MACO 2013 (Premio 1800 José Cuervo), 2014 y 2015.

Rocha ha dado cursos de Historia del Arte y Estética (1987-88), música por computadora (Universidad de París VIII , 1995-96), arte interactivo (Centro Multimedia 1997-1998) y arte sonoro (Esmeralda), entre otros.

Esta selección de secuencias de la película original de Enrique Rosas Aragón, el “Automóvil Gris” (1919), se enfoca en el encuadre detallado de gestos con las manos, mismas que denotan el carácter de la escena, tal como si se tratara de un verbo. La construcción de imágenes lenticulares que requieren un desplazamiento del observador por el espacio para lograr la ilusión de movimiento busca establecer una evolución en la experiencia cinematográfica haciéndola más “espacial” que temporal.

Enrique ROSAS (México DF, 1972) es un artista que explora las conexiones entre arte, ciencia y tecnología con un espíritu renacentista, abarcando campos tan disímiles como la electrónica y la biología. Al centrarse en los procesos de manifestación de las ideas comprendiéndolos no como meras abstracciones, si no como cuerpos de realidad que van de lo invisible a lo visible, de lo inmaterial a lo material, rescata un tiempo en el cual el mundo no solo se percibía si no también se proyectaba desde los ojos.

Interesado en el tema del reconocimiento por patrones, al cual la ciencia suele recurrir para descifrar la realidad, su investigación se desarrolla desde un punto de vista particular. Él relaciona los estudios científicos sobre la materia con otros campos esotéricos vinculados a las nociones de “memoria arquetípica” (Carl Gustav Jung) y los descubrimientos de la futurología. Al establecer una retroalimentación entre distintas disciplinas y experiencias, toda su obra opera a partir de binomios en yuxtaposición o conjunción: el observador y lo observado, lo individual y lo colectivo, lo natural y lo construido, lo micro y lo macro, etc.

Rosas ganó el Premio “Reserva de la Familia 2014 José Cuervo”, presentado en el Museo Jumex en octubre del 2014, y acaba de presentar su primera exposición individual “Estados alterados de Conciencia”, en el Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F.

“En esta obra, el paisaje se reduce a su esencia más pura.

La técnica aplicada – una compleja mezcla de carbón, talco, aceites y barnices – determina la densidad de las atmósferas: cielos encapotados, aires brumosos, calidades etéreas logradas a base de una superposición de múltiples capas de pintura, delgadas sólo en apariencia. Sandoval lleva al extremo la síntesis geométrica con el fin último de investigar el problema del espacio en campos cromáticos. El artista explora la reducción máxima de elementos para crear un mayor impacto por la vía de las posibilidades técnicas.”

Germaine Gómez Haro, noviembre 2001

MAURICIO SANDOVAL (Aguascalientes, 1960) ha ganado el Premio Nacional de Dibujo (1988), el Encuentro Nacional de Arte Joven (1985), y obtuvo mención honorífica en la Bienal de Monterrey (1994). Fue miembro fundador del espacio de Artistas ZONA (1993-1995).

Entre sus exposiciones individuales se encuentran Generación espontánea, Galería Le laboratoire (2011); Formasordas, Galería Le laboratoire (2009); Finisterre, Galería Landucci (2008); Azul cortado, Galería Landucci (2003); Agosto y otros temas, Galería Casa Lamm (2001); El nacimiento de Eva, Galería Nina Menocal (1996); De paisajes inservibles, Museo Universitario del Chopo (1989) y Centro Cultural Tijuana (1991).

Ha participado en numerosas muestras colectivas en México y en el extranjero, entre las cuales destacan Proyecto Akaso, Museo Universitario del Chopo (2011); Identidades, artistas de México y el Caribe, Paris, Francia (1999); Painted Surfaces, Imaginary Spaces, Consulado General de México, NYC (1998); Festival Europalia en el Museo de Arte Contemporáneo de Ostende, Bélgica (1993); Confrontación 86 del Palacio de Bellas Artes, México DF. así como de la Primera Bienal de la Habana (1984).

Su obra forma parte de la Colección Sergio Autrey y de la Colección Pérez Simón, además de colecciones privadas en Estados Unidos y Suiza. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA. Presentará su tercera exposición individual en la galería en abril de este año.

“La exploración artística de Roberto Turnbull se inscribe en lo que apunta el filósofo francés Jean-Luc Nancy: “La composición de la obra no es una composición de partes, son también cada vez unos fugaces estados transitorios, breves escansiones de la propia composición combinándose y desplegándose, volviendo a desplegarse y prosiguiendo.” Lo que se despliega en la obra de Turnbull es su constante búsqueda de la belleza a partir de una poética que devela su sentido-verdad. Y es, precisamente, en la composición, donde podemos intuir ésa poética: la anulación del sentido del objeto, -ya sea este del objeto apropiado o el mismo objeto artístico último-, abstrayéndolos de su iconoesfera para posibilitar más un espacio sonoro que uno visual, como operación crítica. Si bien, las estructuras formales en sus obras: la línea, el círculo, el triángulo y demás figuras geométricas presentes nos pueden remitir directamente a una composición musical, donde cada color opera como una nota para generar un compás; el sentido sonoro no radica en esa formalidad, sino en la capacidad de la composición de la obra para “sostener” los estados transitorios que cada una de ella nos provocan a partir de activarse como versos que se recitan a sí mismos al contacto con nuestra subjetividad.” Octavio Avendaño, agosto 2014.

ROBERTO TURNBULL (México, D.F., 1959) Recibe premios de adquisición en 1992, 1998 y mención honorífica en 2006 en la Bienal Nacional Rufino Tamayo, y el premio Omnilife en Guadalajara en 1994.

Ha realizado exposiciones individuales en las principales galerías y espacios del país: Museo de Arte Carrillo Gil (1985), Sala de Arte Público Siqueiros (1992), Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (1995), Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (2000), Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México (2000 y 2008).

Ha formado parte de numerosas colectivas alrededor del mundo como en Estados Unidos, Japón, Noruega, Canadá, Colombia, Bélgica y Francia. En 1989 participa en diversas bienales como la Bienal de la Habana y la Bienal de Cuenca, Ecuador.

Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas del país y en el extranjero, entre otros en el MoMA de Nueva York.

Si lo pensamos un momento, la historia de la pintura es tiempo detenido, tiempo congelado, fósiles paletas.

Esto es lo que sin saber hemos hecho los pintores, por lo tanto irnos hasta la representación formal de algo helado y muerto – una paleta – que necesita de nuestro calor bucal para efímeramente recobrar vida y tal vez utilidad, es lo que cuando nos detenemos a contemplar un cuadro, solo entonces deja de ser esa cosa fría y muerta, ese fósil, y se convierte en vida no hecha por la naturaleza sino por el espíritu del hombre; Corot lo ha dicho : el paisaje que contemplaba no era más que un estado de su alma, pues no hay nada más idiota y vulgar que maravillarse ante un atardecer o cualquier otro espectáculo de la naturaleza (excepción hecha de las mujeres).

Mauricio Sandoval, Enero 2003

Boris VISKIN nació en la ciudad de México en 1960 donde vivió su niñez. Su juventud transcurrió en Israel (Jerusalén, Tel Aviv y Kibutz Galed), y posteriormente vivió tres años en Florencia, Italia, donde arrancó su trayectoria pictórica. En 1985 regresa a la Ciudad de México y forma parte por dos años de los talleres de grabado y litografía de la Academia de San Carlos.

Estos cambios de culturas, paisajes e idiomas quedan plasmados en su obra, donde ya sea a través de figuras pequeñas devoradas por grandes espacios, o a través de mezclas de elementos abstractos que se contraponen a otros figurativos, brota la presencia del ser desarraigado: por un lado frágil y vulnerable, por otro firme y fuerte ante el aparente sin sentido de su existencia. Respecto a su obra dice el artista: “Siempre desconfié y me sentí incomodo con las palabras. Desde muy temprana edad el mundo de las imágenes fue siempre un espacio más sólido y seguro. Por ende la Pintura, con todas sus limitantes, ha sido para mi el medio ideal para hilar mis múltiples y contradictorias personalidades. A ratos me siento un cavernícola intuitivo; a ratos un artista conceptual.”

Ha expuesto individualmente desde 1984 en México (México D.F., Monterrey, Guadalajara, Zacatecas), así como en el extranjero: (Los Ángeles-E.U.A, Zurich-Suiza, Buenos Aires-Argentina, Florencia- Italia, Jerusalén- Israel, La Paz-Bolivia). También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en el extranjero. Ha expuesto en importantes museos nacionales e internacionales, tales como el Museo del Palacio de las Bellas Artes, Museo Rufino Tamayo, Museo de Arte Moderno, Museo de la Ciudad (México DF.); Art Chicago, Museo de Arte Moderno en Bélgica, Centro Recoleta de Buenos Aires, Petit Palais, Francia, entre otras ciudades.

Ha obtenido diversos reconocimientos de las Bienales de Pintura Rufino Tamayo, de la Bienal Nacional de la Pinacoteca, entre otros más. Presentará su tercera exposición individual en la galería en septiembre de este año.