mario núñez

Maraña 24 | Maraña 25 | óleo / tela | 200x170 cm / u | 2017

“La profundidad no es puro espacio, ya es tiempo, proceso que es un complejo o una amalgama hecha de distancias que son recorridos, puntos que son momentos, posiciones que son instantes”. En cada uno de mis parpadeos una cortina baja y sube sin que yo piense inmediatamente en imputar a las cosas ese eclipse, en cada movimiento de mis ojos, que recorren el espacio ante mi, las cosas sufren una breve torsión de la que también me hago cargo: y cuando camino por la vereda con la mirada fija en el horizonte de las casas, todo mi entorno cercano se estremece con cada ruido del zapato contra el asfalto, y luego queda en su lugar. Lo único absoluto es el mundo vivido por dentro, el espacio de nuestra experiencia carnal del ser, que no posee ninguna forma determinada y puede poseerlas todas, que es siempre un motivo de indagación y búsqueda, de acción y creación; que es fuente inagotable de toda construcción y toda determinación: Absoluto abierto.”
Lo visible y lo invisible, Maurice Merleau-Ponty

Mario Núñez (México, 1963)
Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (México DF.) y en el Taller de Experimentación Gráfica CIEP del INBA (México DF.). Entre sus exposiciones individuales se encuentran « Dentro y fuera », Museo de la Cancillería, México DF. y « Mutatis Mutandis », galería Le Laboratoire, México DF. (2015); “Laberinto de ecos”, galería Le Laboratoire, México DF. (2013); "En colaboración" con Ilán Lieberman, galería Le Laboratoire, México DF. (2010) ; "Gravedad", galería Le Laboratoire, México DF. (2009); "Puntossucesivos", Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana, México DF. (2008); "Tendederos rítmicos", Pasagüero, México DF. (2006); “Pintura”, Instituto Cultural Mexicano, San Antonio, Texas, EUA (1998); “Pinturas”, Iturralde Gallery, Los Angeles, EUA (1997), entre otras. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, en diferentes museos y centros culturales, como por ejemplo: Museo de Arte Moderno, Museo de Arte Carrillo Gil, Palacio de Bellas Artes, Museo Universitario del Chopo (México); galerías en EUA, Canadá y México.
Tendrá su cuarta exposición individual en la Galería Le Laboratoire en mayo 2017.

 mauricio sandoval

Vertigo | óleo / tela | 200x280 cm | díptico | 2017

Un estado que no puede prolongarse, que nos pone fuera o lejos de nosotros mismos, y en que lo inestable no obstante nos sostiene, mientras que lo estable sólo figura en él por accidente, nos da idea de otra existencia totalmente adecuada a los momentos más raros de la nuestra, y compuesta toda por valores límite de nuestras facultades.  Pienso en lo que vulgarmente se llama inspiración…
Tomado de “De la danza”. Piezas sobre arte. Paul Valéry

Mauricio Sandoval (México, 1960)
Entre sus exposiciones individuales se encuentran “Bulbos”, Galería Le Laboratoire (2015); “Generación espontánea”, Galería Le laboratoire (2011); “Formasordas”, Galería Le Laboratoire (2009); “Finisterre”, Galería Landucci (2008); “Azul cortado”, Galería Landucci (2003); “Agosto y otros temas”, Galería Casa Lamm (2001); “El nacimiento de Eva”, Galería Nina Menocal (1996); “De paisajes inservibles”, Museo Universitario del Chopo (1989) y Centro Cultural Tijuana (1991). Ha participado en numerosas muestras colectivas en México y en el extranjero, entre las cuales destacan Proyecto Akaso, Museo Universitario del Chopo (2011); “Identidades”, artistas de México y el Caribe, Paris, Francia (1999); “Painted Surfaces", Imaginary Spaces, Consulado General de México, NYC (1998); Festival Europalia 93 en el Museo de Arte Contemporáneo de Ostende, Bélgica; Confrontación 86 del Palacio de Bellas Artes, México DF, así como de la Primera Bienal de la Habana (1984). Premio Nacional de Dibujo (1988) y ganador del Encuentro Nacional de Arte Joven (1985), obtuvo mención honorífica en la Bienal de Monterrey (1994). Fue miembro fundador del espacio de Artistas ZONA (1993-1995). Su obra forma parte de la Colección Sergio Autrey y de la Colección Pérez Simón, además de colecciones privadas en Estados Unidos y Suiza. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA.
Expondrá individualmente del 21 de abril al 18 de junio 2017 en el Museo Carrillo Gil, Pólipos y Formasordas. Una antológica orgánica, curada por Guillermo Santamarina.

 boris viskin

Cartera vencida | escultura | 230x60 cm de diámetro | 2016

La primera vez que probé raicilla fue también mi primera noche en Yelapa. La lancha llegó a mediodía y después de instalarme en casa de Mónica bajamos juntos a los bares en la playa; se ponía el sol cuando cruzamos la puerta de la muralla que cerca al pueblo y remojamos los pies en un riachuelo casi seco  mientras caminábamos a la palapa que recién prendía sus foquitos rojos y de la cual brotaba un hit de Manu Chao.

-“Dos raicillas y dos indios por favor!” Cuántas raicillas me tomé no recuerdo. Quién las pagó y a que horas y con quién desapareció Mónica: tampoco. Me despertó el frío de la arena mojada. Una oscuridad y un silencio total me envolvían y tardé un buen rato en recordar dónde demonios estaba. Reuní las partes de mi ser y me encamine hacia la gran masa oscura de la colina y el pueblo.

Después de una caminata que se me figuró larga y que seguro dejó una serpiente de huellas zigzagueantes en la arena, empecé a adivinar la muralla del pueblo pero no la maldita puerta. Mi atención concentrada en los muros no se percató que el riachuelo, con la creciente marea, se había convertido en un señor río, que fácil alcanzó mis rodillas y pronto rebasó mi cintura. Cada paso me hundía más y en un gesto cavernícola, saqué la cartera del bolsillo y la sujeté por encima de mi cabeza. Como en todas mis borracheras hasta el día de hoy, (toco madera o como diría mi abuelita: “tfu, tfu, tfu”), un ángel de la guarda me llevó a mi cama sano y salvo. Sin embargo, esa imagen: Yo, con el agua al cuello sujetando mi cartera al aire, apareció en mi cruda mente una y otra vez; No tiene mucha magia: es en síntesis el hombre que antepone su cartera a su alma; que está dispuesto a hundirse en un lodazal antes de sacrificar un billete. El riachuelo de Yelapa es ahora un tambo de chapopote; Se titula “Cartera vencida” pero más que la cartera es el hombre el perdedor, o para nuestro caso: México.

Boris Viskin (México, D.F., 1960).
Vivió su niñez en el DF. Su juventud transcurrió en Israel (Jerusalén, Tel Aviv y Kibutz Galed), y posteriormente vivió tres años en Florencia, Italia, donde arrancó su trayectoria artística. En 1985 regresa a la Ciudad de México y forma parte por dos años de los talleres de grabado y litografía de la Academia de San Carlos.
Estos cambios de culturas, paisajes e idiomas quedan plasmados en su obra, donde ya sea a través de figuras pequeñas devoradas por grandes espacios, o a través de mezclas de elementos abstractos que se contraponen a otros figurativos, brota la presencia del ser desarraigado: por un lado frágil y vulnerable, por otro firme y fuerte ante el aparente sin sentido de su existencia. Respecto a su obra dice el artista: “Siempre desconfié y me sentí incomodo con las palabras. Desde muy temprana edad el mundo de las imágenes fue siempre un espacio más sólido y seguro. Por ende la Pintura, con todas sus limitantes, ha sido para mi el medio ideal para hilar mis múltiples y contradictorias personalidades. A ratos me siento un cavernícola intuitivo; a ratos un artista conceptual.” Ha expuesto individualmente desde 1984 en México (Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Zacatecas), así como en el extranjero: (Los Ángeles-E.U.A, Zurich-Suiza, Buenos Aires-Argentina, Florencia- Italia, Jerusalén- Israel, La Paz-Bolivia). También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en el extranjero.
Ha expuesto en importantes museos nacionales e internacionales, tales como el Museo del Palacio de las Bellas Artes, Museo Rufino Tamayo, Museo de Arte Moderno, Museo de la Ciudad (México DF.); Art Chicago, Museo de Arte Moderno en Bélgica, Centro Recoleta de Buenos Aires, Petit Palais Francia, entre otras ciudades.  Ha obtenido diversos reconocimientos de las Bienales de Pintura Rufino Tamayo, de la Bienal Nacional de la Pinacoteca, entre otros más. Expuso el año pasado en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, “La belleza llegará después”.

 manuel rocha iturbide

Transmutación | escultura, teclas y martinetes de piano | medidas variables | 2016

empty piano
escultura, piano de pared desarmado y vació
137 x 130 x 36 cm | 2016
Un piano de pared descompuesto al que se le ha efectuado una especie de autopsia desproveyéndolo de todos sus mecanismos internos salvo de su arpa, su estructura “ósea”. A éste piano vacío que ya no puede ser tocado de manera tradicional se le han efectuado radiografías metafóricas colocando distintos papeles del tamaño del arpa y realizando frottages (técnica que consiste en frotar un lápiz o pedazo de grafito o carbón sobre un objeto) y golpages (misma técnica descrita anteriormente pero a partir de golpes con baquetas de percusión cubiertas de grafito o carbón en polvo). Los resultados gráficos de estos procesos son especies de imágenes fotográficas que nos recuerdan al sudario de Jesucristo (el manto con el que fue cubierto después de morir en la cruz que fijó su cuerpo). Para generar estas imágenes, fue necesario volver a hacer vibrar el esqueleto del piano, frotar y golpear sus cuerdas con pedazos de carbón, de grafito y baquetas. Al final nos volvimos a quedar con el piano vacío, pero junto con una memoria sónica y visual de las acciones que lo han hecho resonar, así como con las baquetas de percusión que participaron que yacen quietas e inertes esperando tal vez a que alguien vuelva a emplearlas para hacer sonar las cuerdas una vez más.

Transmutación
escultura, teclas y martinetes de piano, medidas variables, 2016
Las teclas de un piano así como aquellas de casi todos los instrumentos de teclado (clavecín, órgano, etc) están dispuestas en un rectángulo delgado y largo que tiene limites, la primera tecla percute al sonido mas grave y la última al más agudo. Sin embargo,  este instrumento podría todavía utilizar algunas frecuencias más dentro del rango audible del ser humano aunque de cualquier modo siempre habrá un comienzo y un fin. Decidí deconstruir un piano, pero no un piano nuevo, sino uno que ya no sirviera (que estuviera desahuciado), para crear nuevos objetos y signos silentes que siguieran comunicando pero con nuevos códigos. La primera escultura de este proceso fue Transmutación, que consistió en colocar todas las teclas del piano en un círculo de aproximadamente 1.60 metros de diámetro, dentro de este hay otros dos círculos internos, el primero hecho con algunos de los martinetes de las teclas, y el otro con algunos de los pequeños mecanismos que articulan a los martinetes. El resultado es un nuevo ser inanimado que ya no puede sonar, pero que cierra el espacio finito grave-agudo en un espacio infinito en donde estos dos polos quedan de algún modo conectados.

Radiografías
grafito sobre papel
90 x 180 cm | 2016
Obra gráfica realizada a partir de la escultura empty piano, un piano desarmado que queda casi completamente vacío salvo por su arpa y sus cuerdas de acero. A éste piano que ya no puede ser tocado de manera tradicional se le efectuaron radiografías metafóricas colocando distintos papeles del tamaño del arpa y realizando frottages (técnica que consiste en frotar un lápiz o pedazo de grafito o carbón sobre un objeto) y golpages (misma técnica descrita anteriormente pero a partir de golpes con baquetas de percusión cubiertas de grafito o carbón en polvo). Este es uno de los resultados gráficos de estos procesos (más cercano al frottage que al golpage), una especie de imagen fotográfica que nos recuerda al sudario de Jesucristo (el manto con el que fue cubierto después de morir en la cruz que fijó su cuerpo). Para generarla, fue necesario volver a hacer vibrar el esqueleto del piano, frotar y golpear sus cuerdas con pedazos de carbón, de grafito y baquetas.

Manuel Rocha Iturbide (México DF., 1963)
Compositor, artista sonoro, investigador y curador. Estudia la licenciatura en la UNAM, maestría en Mills College, y un doctorado en el área de Música y Tecnología en la Universidad de París VIII. Su música ha sido ejecutada en varios continentes recibiendo encargos del Instituto IMEB de Bourges, Festival Cervantino, Cuarteto Arditti... Ha sido beneficiado con las becas del SNC  de México, del Banff Center for the Arts, de la Fundación Japón. Ha ganado premios en los concursos Luigi Russolo de Italia y de Música Electroacústica de Bourges, Francia, entre otros. Co-fundó y fungió como curador del festival internacional de arte sonoro de 1999 a 2002. Algunas exposiciones importantes en las que ha participado son: Galería Chantal Crousel (París, Francia, 1994), Lines of Loss en Artists Space (NY, 1997), Bienal Internacional de Sidney (Australia, 1998), Project Rooms de la Feria ARCO (1999), Nothing en Roseeum (Malmo, Suiza, 2001), AVATAR (Quebec, Canadá, 2002), Koldo de Mixtelena (San Sebastián, España, 2007), Forum Internacional de las culturas (Monterrey 2007), McBean Gallery (San Francisco, California 2010), Xng Dong Chaeng Space for Contemporary Art (Pekin, China 2011), MuAC (México DF. 2012),  galería le laboratoire (México DF. 2012, 2014, 2016); Fundación Prada (Venecia, 2014), Zona MACO 2013 (Premio 1800 José Cuervo), 2014, 2015, 2016. Rocha ha dado cursos de Historia del Arte y Estética (1987-88), música por computadora (Universidad de París VIII , 1995-96), arte interactivo (Centro Multimedia 1997-1998) y arte sonoro (Esmeralda), entre otros.

 roberto turnbull

De l ́art d ́accompagner la partition | mixta / papel / tela | 200x150 cm | 2016
De la manière de toucher le piano et d´en tirer le son | mixta / papel / tela | 180x160 cm | 2017

“ (...) Todo podría enlistarse, incluso con su sombra. Y hace dúo con eso que llamamos “lo real”, el argumento de cualquier apariencia, al detonar ciertas cualidades pictóricas o escultóricas. Una revisión exhaustiva de fotos versus patrones, permitiría especular sobre la procedencia de determinadas manchas, deslavadas a manera de sombras, o de texturas que en la foto aparecen como sobreexposiciones, o como ambientes enrarecidos que podrían inspirar juegos abstractos... espacios mentales a donde adherirse. Como si todo, tan intrincado al ser descubierto, se disculpara con un antecedente en el collage“. Osvaldo Sánchez

Roberto Turnbull (México, D.F., 1959).
Recibe premios de adquisición en 1992, 1998 y mención honorífica en 2006 en la Bienal Nacional Rufino Tamayo, y el premio Omnilife en Guadalajara en 1994. Ha realizado exposiciones individuales en las principales galerías y espacios del país: Museo de Arte Carrillo Gil (1985), Sala de Arte Público Siqueiros (1992), Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (1995), Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (2000), Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México (2000 y 2008). Ha formado parte de numerosas colectivas alrededor del mundo como en Estados Unidos, Japón, Noruega, Canadá, Colombia, Bélgica y Francia.  En 1989 participa en diversas bienales como la Bienal de la Habana y la Bienal de Cuenca, Ecuador. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas del país y en el extranjero, entre otros en el MoMA de Nueva York.
Actualmente presenta su tercera exposición individual “Nuevas apariencias” en la galería Le Laboratoire, hasta el 7 de abril 2017.

 perla krauze

Políptico

“Por años he realizado trabajo que se desarrolla a través de recorridos, trayectorias y caminatas. Documento y registro de varias maneras las huellas del tiempo y la memoria de cada sitio en donde trabajo, el paisaje que recorro o el que habito. Se convierte por momentos en un trazado, mapeo personal y emocional de esos sitios que exploro.  En cada sitio intento hacer visible la “memoria”, a través del uso de las marcas, huellas y grietas en el entorno del paisaje rural o urbano que recorro o habito. El objetivo quizá es hacer más visible lo no visible, hacer evidentes los rastros inadvertidos de tiempo y memoria de cada sitio. Es una manera de entrar en los detalles de los alrededores cotidianos, a menudo inadvertidos y pasados por alto, ‘dibujos’ de las huellas de cada sitio, la topografía, generalmente vista pero no percibida”.  Perla Krauze

Perla Krauze (México DF, 1953)
Perla estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos (UNAM) de la Ciudad de México. Viajó a Inglaterra en 1977, donde vivió por tres años. Obtiene un Diploma en Textiles y Artes Visuales, en el Goldsmith’s College, Universidad de Londres. Después de trabajar en México por varios años, volvió a Londres en 1992, para realizar un postgrado en Pintura, y Artes Plásticas en el Chelsea College of Art. Desde entonces vive y trabaja en la Ciudad de México. Ha realizado varias residencias para artistas, entre ellas Banff (Canadá), Djerassi (California), y Santa Fe Art Institute (Nuevo México), donde ha explorado varios temas relacionados con la memoria del sitio. Ha participado en numerosas exposiciones en México, exposiciones individuales en el Museo Carrillo Gil, Museo de la Estampa, en el D.F., asi como otras en EUA., España, Portugal y Francia.  Recientemente, en el 2009 participó en la Trienal de Arte Echigo Tsumari en Japón; en 2010, la exposición en el Museo de la Cd de Querétaro, además de la muestra de media carrera, “Huellas y Trayectos”, en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México; en 2013 simultáneamente en las galerías Le Laboratoire (México DF.) y Howard Scott gallery (New York).
Actualmente expone en el Museo Amparo de Puebla, “Materia lítica: Memoria / Procesos / Acumulaciones”, hasta el 1 de mayo 2017.